想用数码相机拍照，先学习数码摄影入门方法！以下是边肖为您精心整理的数码摄影入门方法。我希望你喜欢它。
数码摄影入门：首先要明确。
什么是清晰？是一个绝对的概念吗？因为我们的要求不同，所以我们对清晰的概念也不同。这里有三个概念，即对焦精度、景深选择和抖动。聚焦精度。现在dc是AF，没什么好说的。除非你要拍的主体不在相机的对焦范围内，或者场景极其黑暗，否则AF还是可以保证质量的。除非你有更高的要求，比如获得超焦距等。这些都是高级技术，应该在无忌里面讨论，但不在这里。
其次，景深。说到景深，还需要给出另一个概念：弥散圈。术语解释：弥散圈：弥散圈。在焦点前后，光线无法汇聚到一点，该点的像就变成了一个模糊放大的圆形光斑。这个点的外圆称为弥散圆。显然，当弥散圆的尺寸小到一定程度时，人眼会将其视为一个不可分辨的点。这个时候，我们会觉得焦距前后一段距离，所有图像都很清晰。这就产生了“景深”。景深内的弥散圆称为允许弥散圆。可见允许弥散圆的概念随着人的观察分辨率的变化而变化，景深随着弥散圆的可接受性而变化。
最后，抖动。
讲个故事，15年前，我第一次学习摄影是在高中的兴趣小组，老师是一位印尼归国华侨。那时候我根本没兴趣听老师的理论课，也因为家境好，只会浪费胶卷。拍了一段时间，少年宫有个摄影比赛(那几天我很惨，这个机会已经是难得的展示自己的机会了)。黑白电影在参赛前被要求放大到8英寸以上。在老师的放大机器下，我片中的假焦和抖动被无情地放大到足以让我抑郁！直到那时我才知道老师说的那些“规章制度”有多重要。
对于持稳相机，我现在可以做到：在50mm相对于135的焦距下，持握1/4秒在LCD上可能不会显示抖动，持握1/30到7英寸，持握1/125秒到A3格式肯定不会显示抖动。正确的手握方法是用相机的眼睛调平取景器。此时，你的左手握住相机的左肘，紧紧地支撑在肋骨处，形成一个三角形。右手握住把手，右肘也紧紧撑在肋骨处，形成一个三角形。同时两臂自然形成一个三角形。对物理有点了解的人应该已经感受到它的稳定性了。手部动作：拇指控制多功能拨盘，食指轻轻搭上快门，均匀呼吸，如同拉动枪机，达到“有意瞄准，无意击发”。这时候高手已经到了人机合一的境界，十步一击必杀！当然，完全不抖是不可能的。就算用了捷信，至少还是以固有频率振动。看你的要求了。
呵呵，先说一点知识：最好用专门设置的闪光灯。现在，闪光从点燃到熄灭可以轻松达到1/1000秒以上。很多高级闪光灯(这里说的高级是给初级玩家用的)达到1/1w秒也不稀奇，而且没有机械震动。
数码摄影方法介绍2:精确曝光
曝光的定义，如果用科学的方法解释，就是：光的强度乘以光的时间。定义中的“光强”是指光照射CCD的强度，即照度(I代表照度，单位为勒克斯)。定义中的“受光作用的时间”是指感光胶片受爱情线照射的时间，即曝光时间(T代表曝光时间，单位为秒)。曝光的计算单位是勒克司秒。e代表曝光量，曝光量公式如下：
e(曝光)=I(照度)T(曝光时间)
根据这个公式，如果要获得一定的曝光量，光强越大，曝光时间越短。光照强度越低，曝光时间越长。如果光强增加一倍，曝光时间需要减少一半。如果光强为2，时间为4，曝光为8。如果光强是4，时间是2，曝光还是8。
富士S2Pro拍摄，先测量水面，手动调整到这个值，曝光后会出现剪影效果。
相等曝光
我们清楚地明白这样一个简单的道理：较大的光圈比较小的光圈能让更多的光线通过镜头到达胶片，较低的快门速度比较高的快门速度能让光线在CCD上停留更长的时间。所以可以演变成以下几种情况：光圈f/1.8和快门速度1/500秒的组合，光圈f/4和快门速度1/100秒的组合，可以获得同样的曝光效果。它们与中间光圈f/8和1/25秒的中间快门速度组合得到的曝光效果是一致的。这就是所谓的“平等曝光”。
上述三组曝光组合的曝光量相等，反映在底片上的密度一致，反映在CCD上的色调层次、色调还原和再现一致。但两者在画面效果上有两个重要区别：一是因光圈大小形成不同的景深；二是因为快门速度的原因，形成了不同程度的运动图像清晰度。
从等曝光原理我们知道，不同曝光组合的等曝光可以获得相同的负密度曝光效果。但在摄影实践中，要根据被摄主体和被摄物体的不同，在几种能产生相同密度的曝光组合中选择最佳的曝光组合，以表现被摄主体。这就是选择性曝光的概念。
贴一个我最近在曝光控制方面比较满意的pp。是室内机外闪光灯。先测闪光灯的光，再测反光板的光。不断调整反光板的距离和角度，使光比差2.5块。背面背景有意在左上角曝光，以产生虚影来平衡画面。
那些有经验的摄影师从摄影的理论和实践经验中知道，虽然每一个快门和光圈都能产生同样的曝光效果，但景深和画面中运动物体的清晰度却大不相同。必须仔细考虑具体的暴露组合。是为了用更小的光圈获得更深远清晰的景物范围吗？还是用更高的快门速度来捕捉被扰动物体的“凝固影像”？还是用极短的景深模糊背景突出主体？还是想用较慢的快门速度来增加运动体的运动？等一下。这一切都需要摄影师用脑子去思考和选择，这绝不是那些“自动相机”能解决的，因为“自动相机”没有思考能力。具有形象思维能力的人可以熟练地操作相机来完成自己的想法，这可能就是相机的“自动曝光”和人的主动“选择性曝光”的区别。
什么是精准曝光？简单来说，曝光的正确含义应该是：在适当的时间，用适当的光量对CCD进行曝光。
说到曝光度，就不得不先说说亚当斯的区域曝光度。美国摄影家A亚当斯对摄影最大的贡献之一就是创立了“区域曝光”的概念。其实我自己也不完全懂，里面的理论足够写一本书了。但现在我的拍摄是基于对这部分的理解。
为什么能看到多变的图像几何？学过素描的朋友很容易理解。画面无非是从亮白高光到饱和中灰再到全黑暗部的连续过渡。这种过渡使我们能够分辨出物体的轮廓。
最传统的拍摄手法在数码领域依然是最有效的。当你看到一个画面中你想要表现的东西，也就是说你想要它体现出最饱和的色彩和最丰富的细节，只要指向并测量它，然后根据测试值进行曝光。最终的电影一般不会让你失望。当然，如果你想让其他部分表现出一些细节，你必须使用反射镜和吸收镜，把这些地方控制在你的CCD的公差范围内，或者改变角度，等待光线的变化，降低光比。另一方面，如果你想让某些部分呈现纯黑白，让这些部分偏离曝光值5档以上，你就能看到你想看到的东西。理解相机定点测量和手动操作的重要性。
当然，实际拍摄没那么简单。制作专门的纪录片。你要限制光，同时，光也限制了你。除非室内还有生命，否则找不到完美的光线。但机会往往稍纵即逝。这个时候，经验就变得很关键。曝光是一种有效的手段。但也不是万能的，至少周边测光不能改变客观光比。在布列松那里，“你要不停地换角度”，换角度不仅仅是改变构图，更是提高光线的限制。可以利用的东西很多，比如水面的反射，白墙等等，包括很多不可预见的情况，比如薄云可以柔化太阳光。
这里写不下去了，还是水平太浅。有很多东西只能理解却无法用语言描述。我自己的思考还是很重要的。老话说，关键是你镜头后面的大脑。
数码摄影方法介绍3:黄金分割
构图一词是英文COMPOSITION的音译，是造型艺术的一个术语。《辞海》中说“构图”是指艺术家为了表现作品的主题和审美效果，对一定空间中的人与物的关系和位置进行安排和处理，将个体或局部的意象形成一个艺术整体。在中国传统绘画中，它被称为“构图”或“布局”。
首先，关于构图中的分布和造型，这里不得不提两个名词：九宫格和趣味中心。
先说著名的黄金分割再说九宫格。
自古希腊人发现黄金分割以来，这一比例就被视为美学的最佳比例，并被广泛应用。
事实上，黄金分割是造型艺术中的一个划分规则。又称黄金比例，简称黄金比例。它的分段方法是将一条直线分成两部分，使一部分的平方等于另一部分与整体的乘积，或者一部分与整体的比值等于另一部分与这一部分的比值。即直线段AB除以C点，使(AC)2=CBAB，或ACAB=CBAC。
实践证明，其比值约为1.6181或10.618，称为黄金分割比。黄金比例最早是由古希腊人发现的，直到19世纪，它还被欧洲人认为是最美最和谐的比例。黄金比例在造型艺术中应用广泛，具有审美价值，特别是在长宽比例(如书籍版式)的工艺品设计和工业设计中，因此被称为黄金分割。20世纪，法国建筑师勒柯布西耶发现黄金分割比具有级数的性质。结合人体尺寸，他提出了黄金参考尺方案，并将其作为现代建筑美的标尺。法国还产生了一个立体派画家群体，名为黄金分割画派，注重形式的比例。
实际上，黄金与黄金的比例只是一个近似值。最简单的方法是按照顺序2，3，5，8，13，21.得到2:3，31
5、58、813、1321等。作为近似值。这种分割方法也用于优化方法中。
再说九宫格。九宫格的起源是中国人发明的一种作曲模式，但巧合的是它与黄金分割有着惊人的理论联系！我们用黄金分割法从画面的上下左右做了四条线，惊奇的发现这就是我国古人所说的九宫格！
发现九宫格四条线交汇的四个点是人的视觉最敏感的地方，这四个点在国外摄影理论中被称为“趣味中心”。顾名思义，事实已经反复证明，当苏是最容易获得“眼球”的
数码摄影方法介绍4:对称与平衡回声
谈论对称、平衡和回声
在中国传统绘画中，构图结构称为“构图”或“布局”，“展纸作画构图为先”。位置就像围棋，可以下棋，不要迷茫。普通纸也可以滴墨，切记不要乱涂。棋有其道，画有其理。一场输了的比赛就像一场国际象棋的失败。古代的章法(作曲)比作下棋。当摄影变成这样，一定有一定的构图和布局艺术。黑格尔在《美学》年说过，“艺术家不应该先把雕塑完全雕刻好，再考虑把它放在哪里。而是在构思它的时候，他要联系到一定的外部世界及其空间形式和局部”。
1.水平位置，以便捕获的图像不会倾斜。可以用建筑物、电线杆等与地面平行或垂直的物体作为参照物，尽量让画面在查看器中保持平衡。
2.色彩平衡好，画面要有很强的层次感，保证主体能从所有背景中脱颖而出。如补色平衡(下图)，所谓红花绿叶搭配就是这个道理。同样的色彩平衡，穿黑色衣服的人一般不会安排在深色背景下拍摄。
3.前景有平衡画面的作用。有时候，当我们发现画面中的空缺不平衡时，比如天空万里无云、单调乏味时，我们就在上面放上下垂的枝叶，以弥补画面的不足；有时候画面底部按不下去。当顶部重，底部轻时，可以用岩石和栏杆作为前景。深沉的色彩让画面持之以恒，达到稳定均衡的效果。运用前景虚焦点的表现手法，给人一种朦胧美之感。
4.空白。它是屏幕上的对象之间的链接以及它们之间的关系。空白图片的作用就像文章中标点符号的作用一样，可以帮助作者表达自己的感情。
在屏幕上留出一定的空白是突出主体的需要。要有视觉冲击力，就要在周围留一定的空隙。这可以说是造型艺术的一个规律。人们需要空间来欣赏物品。一件精美的艺术品，如果放在一堆杂乱的物件中，几乎欣赏不到它的美。只有周围有一定的空间，才能散发出它的艺术光芒。如果一张图片充满了实体，会给人一种压抑的感觉。只有画面上的留白留得恰到好处，人的视觉才有回旋的余地。"如果你把一幅画空着，你会生气的。"事实就是如此。
在现实生活中，所有稳定的物体都有一个平衡的形式：桌子的四条腿是稳定的；如果房子建得底小顶大，会给人一种不稳的感觉；负重过轻，使人行走不便；显然，劳动人民的态度是寻求身体平衡以符合这种劳动特征。许多生命现象培养了人们要求平衡的心理，并在人们的审美过程中发挥作用。总的来说，画面要平衡、稳定，让人感觉稳定、和谐、完整。利用人们要求平衡的心理因素，可以从几个方面来强调画面的表现力：
A.对称构图。对称一直是我们国家的重点。它一直是宫殿。首府城市都是对称排列的。它强调一种庄严肃穆的气氛，在“四平八稳”的对称平衡中表现出一种朴素肃穆的关系。
b、虚实呼应布局，就像江南园林。在一些强调雅、静、柔的抒情风景画面中，要求是变化的平衡画面可以疏密有致，有虚有实，但总体要求平衡。在一幅田园诗般的风景里，比如左下角有一头牛，右上角应该有一朵云在天上。
对比和反差也是常用的平衡手法。我记得有一幅著名的画，一个白白胖胖的白人牵着一个非洲饥饿儿童的手(网上找不到这副pp，你只能想象)震撼了所有人的心。大小对比的效果，为了充分表达pp的内容，并使观众对主体形象产生鲜明的印象，往往需要使用大与小、长与短的对比
人们在构图中经常使用一种“定向线簇”，往往能得到“光芒四射”的效果。多数情况下是将观众的视线引向主体，其完整的效果形成了一种从主体沿直线向外辐射的氛围。这是实现可视化效果的简单方法。摄影构图的另一个基本功是运用能把观众带入画面的“内引线”。虽然内部引出线有很多复杂的形式，但最容易识别和成功的是具有透视感的C形、S形和斜线。
“C形线也是有效的引入线，但拍摄时要注意，透视线一定不能从任何底角弓I进入，一般来说，引入线不要从任何角开始，而要从稍微偏离底边中心的一个测量点开始。”
至于S型线，有人称之为“体线”。这是霍加斯最早提出的一条优美的构图线。因为它来源于女性优美的身材：略微拉长的“S”形。as；这种常用的构图线确实能打动人。
S形线条的魅力
使用线条构图时，要注意画面中的直线，尤其是平行于画面的直线，不能从画面的一边不间断地向另一边拉伸。否则容易出现以下情况：本意是只拍一张照片，结果好像是两张不相关的底片印在一张照片纸上。这个问题最容易出现在拍摄自然场景的时候，比如地平线居中，天空和地面占据画面一半的时候。如果你还改正这个问题？美国摄影家b克莱门茨(B. clements)和d罗森(D. Rosen)和菲尔德(Field)合著的《摄影构图学》一书中指出，只要“打断这条直线的连续性，画面一部分的图形延伸到画面的另一部分，画面的整体感就牢固建立起来了”。
对角线构图是一种高度定向的画面。使用这种构图往往是作者希望把读者的目光引向某个明显的东西，或者是为了表现线条本身的魅力，因为大家都知道，一个长方形的画面中最长的一条线是对角线。另一种常见的情况是，当两个有趣的中心不明显但需要连接时，作者也需要一个表格来连接它们。看图，是一张体现大桥宏伟的名片。闪桥主体横跨两个角，似乎要步出画面。
如前所述，常见的留白往往是几何体，而几何体中最简单、最具表现力的非三角形就是正三角形，它往往表达一种稳定的情绪，常用于建筑、成年男性、成功人士等场合。如果在座有年纪较大的人，可能还记得当年的教材里有一张大庆市劳动模范王进喜的图片，用直角三角形的构图来表现主体的刚毅和力量。
不稳定的三角构图，可以做出生动活泼的画面，常用在多变的女性身上。下图就是一个例子。当然这种构图也可以用来渲染不稳定烦躁的情绪，但是我还没有找到合适的图片来演示。
大家都知道作曲家和钢琴几乎是二加一，一加二。应该说把主人公安排在琴房是再合适不过了。它是屏幕上关键数字所占区域的大小。纽曼的处理包含了某种艺术的辩证关系，我们知道，有些物体在画面上占据了很大的面积，它可能是也可能不是画面的主体，而有些物体虽然看起来很小，但也可能是主体，这取决于作者如何处理作品主题的内涵和构成要素。一般来说，那些鲜活的、占主导地位的、动人的、充满变化的，总是更重要、更突出，而相反的，似乎总是不如前者重要。论艺术表现，形体虽大，但如果只是属于陪衬对象，能起到引导视线、突出主体的作用，那么大的看似大，其实在观者眼中看起来很小，而小的表面看起来很小，其实在观者眼中感觉很大。纽曼在这部作品中就是这样理解和处理人与物的关系的。为什么作者只取琴的上半部分而不取下半部分，人物放在角落而不放在中央？我们认为这是出于以下考虑。第一，琴面、琴盖、琴柱具有一般意义，足以说明主人公的职业和身份；另一方面，从艺术的角度来看，为了用形式美的规则来构成一幅画面，由人物、琴盖、支架、琴面组成的三角构图可以吸引人的注意力，引导人的视觉运动，形成以人物为中心，从人物到支架再到琴盖的两个三角构图关系。这样既突出了主体，又为读者提供了广泛接触和回味的时空条件。这是一种巧妙的艺术处理，符合观众的欣赏心理。'
数码摄影入门：名人名言
名人说作文。
有些人可能有作曲的天赋。然而，根据美国摄影师威利奎克(Willy Quick)的说法，几乎所有人都可以通过应用一些基本规则来达到相当水平的摄影构图能力。为此，他提出了一些简单的方法。他认为，按照这些方法，任何人都可以在短时间内学会拍出好照片。
威利奎克(Willy Quick)指出，摄影师最容易犯的错误就是拍摄点太高，离主体太远，导致各种与拍摄目的无关的事情发生。
他说：“请记住，画家是把东西画进画面，而摄影师是把东西从画面上去掉。”他说：“一张照片应该只有一个兴趣中心，图片上不应该有无用的东西。如果你对一个物体是否有助于画面产生怀疑，你应该尽可能地放弃它。”正是在这里，人们常说摄影是“减法的艺术”
奎克认为：“这并不意味着兴趣中心必须准确地放在交叉点上。正因为如此，其实有趣的中心往往出现在路口附近。”
奎克指出：“每张照片都应该保持一定的平衡。也就是说，主被摄物的排列不能使画和脸向重量大的一侧倾斜。但是平衡并不意味着两个同样大小和形状的东西放在对称的位置上。这里的关系，只要你看看玩跷跷板的孩子。跷跷板两边的孩子，小的必须坐在离中间远的地方，大的必须坐在中间近的地方。”
奎克认为：“安排突出的线条指向兴趣中心是拍出令人愉悦的照片的另一个要素。这些线被称为主线。有效地使用主导线可以创造出令人惊叹的照片。把主导线排列成对角线，会产生强烈的运动感。
“线条通常在照片中提供一个边界。这可以通过选择一个视点来完成，例如，通过树下的树枝在屏幕上框出主题。通常使用小光圈来使整张照片清晰。这样也有可能把边框做得太突出，但如果安排得当，会拍出很好的照片。
“在照片中，地平线的位置会给人强烈的印象。拍摄时，地平线要尽量避免在照片的等度线上，因为这样做会把照片分成两半，给人一种沉闷的感觉。
在地平线的底部，会给人一种宁静的感觉，而在顶部，会给人一种活泼、有力量的感觉。此外，横幅图片可以产生一种和平与平静的感觉，而垂直图片可以产生一种动态效果
Quick相信，如果上面的方法用得好，你的照片会有明显的提升，而且随着时间的推移，你很快就会学会欣赏构图，从而为你的摄影增添乐趣。达科认为，有时“如果线条与视觉产生共鸣，一串线条本身就可以成为一个主题”。美国摄影师小雅各布斯(L. Jacobs Jr .)认为：“构图从摄影师心灵的眼睛开始。构图的过程也被称为“预见”，即在拍摄一个物体之前或同时，脑海中可以形成一个图像或印象。经常分析自己和别人作品的构图，可以让自己的预见技巧更加娴熟，成为一种本能。“这就是我常说的用脑子拍照。
奥地利摄影师欧内斯特哈斯也有同感。至于章法，他已经到了手里没有剑，心里有剑的境界。他认为“构图在于平衡，每个人对待平衡的方式都不一样。”就像武术达到最高境界的时候，招式是没有名字的，只能靠自己的技巧来化解。他认为：“你越能忘记你的装备，你就越能专注于你的题材和构图。这个时候相机只是你眼睛的延续，没有其他意义。”小雅各布斯(Jacobs Jr .)也认为：“构图最基本的因素是线条、形式、肌理以及这些因素之间的空间。当然，颜色也是一个不可忽视的因素。会聚线一般能说明透视关系，但不是所有照片都要表现透视的深度。很多优秀的作品都是平面设计。取景器中某个场景或人物的肖像，是根据拍摄者的个人感受来安排的。意味着摄影中所有的控制都是为你想要表达的情绪服务的。
“在大多数情况下，一个或一组形状或形式在每张照片中起主导作用，照片中的颜色、体积、位置和其他形状等。都服务于主导因素。构图上的对比，指的是大与小、明与暗、近与远、主动与被动、流畅与粗糙、色彩丰富与清淡等等的对比。我们应该更多地利用这些对立的因素，使主题通过它影响整个作文。比如对比定律运用得当，照片就会有很大的魅力。”
摄影师沃尔特德格鲁埃特解释了摄影的构成。他认为：“每一种构图都是基于排列的顺序。从科斯塔的心理学和信息学原理中我们知道，构图可以通过多种方式获得。它来源于相似事物的组合和对相反事物的强调。排列顺序不一样，形状和颜色的疏密和对比也会产生排列顺序。秩序是建立在审美平衡的基础上的，平衡从复杂、矛盾和动态中创造和谐。”
他说：“任何知道如何将一张照片分割成单独的构图成分，从而获得其审美一致性和合理性来考察照片的具体效果的人，都会成功地创作出好的作品。要得到满意的照片构图，你必须经常分析照片。他提出了分析照片构图的最重要的标准：
1.人物与环境的关系和对比。2.照片和类似东西所传达的信息的价值。3.光线和深度。4.突出的线条和相框。
Gruyter就如何获得更好的摄影构图提出了以下重要建议：
A.图片提供的信息不能造成视觉混乱。
B.人物和环境之间的关系应该有助于传达照片的意图。
C.应避免人物与环境关系模糊可能造成的错觉。
D.明暗或色彩对比的关系很重要。
E.除了人物与环境的形式关系，人物与环境的心理平衡也很重要，因为每一个视觉印象都会立刻做出喜恶的判断。没有偏好的评价，意味着根本没有回应。
F.展示一些与我们熟悉的物体相似的东西，让人们很容易认出它们，从而更快地理解它们。因此，有必要重复内容。
G.照片的复杂程度不能太低(感官刺激不足)或太高(感官刺激过度)
H.每个人对每张照片的审美评价总是不一样的，这种评价是以感觉为主导的。这很大程度上取决于观众的知识，他的经验和他的敏感度。
一、形式主义和时尚不能持久。这种原创性的缺失是技术无法弥补的。
J.灯光、透视、重叠、阴影线的层次变化有助于在二维空间的平面上表现出清晰的深度感。
K.不同寻常的透视效果，有助于使照片生动。
长度有意识地使用突出的方向性线条，选择适合被摄主体的镜框，会提升照片的效果。
数码摄影导论：耗尽光线的艺术
说白了，玩摄影就是玩光。就像素描一样，光的表现力是一个好的PP的“灵魂”，我们先来讨论几个概念：任何一种光都有三个要素，即强度、方向、色调。
光强度
强度描述的是光的强度，各种光源发出的光都有一定的强度。强烈的直射光会造成明显的阴影，清晰地显示出物体的轮廓，所以常用来勾勒物体的轮廓。强光还可以增加被摄主体的明暗对比和色彩。弱光可以减弱拍摄对象的明暗对比，使物体表面看起来光滑细腻。
对于相机拍摄的照明，在摄影棚中，往往采用强光源作为主光，这是拍摄照明的主要来源。弱光源要作为辅助光，可以减弱主光造成的强阴影，同时也不会投射出多余的阴影。但如果光线太强，往往得不到好的效果，因为强光下形成的阴影会比较夸张，光影效果不自然。
拍摄时，如果光线太强，可以通过增加扩散片或反光板来降低光线强度。与强光相比，散光的光影效果更加柔和自然。主体的受光面可以均匀，对比度适中，光源的方向性限制小。另一种光是所谓的“漫射光”。阴天没有明显指向性的光，就是所谓的漫射光。漫射光不像上面提到的两种光源，它几乎没有阴影。著名摄影师布列松是漫射光的大师。
数码摄影方法介绍8:照明强度
照度，俗称勒克斯，是指被摄物体表面单位面积的光通量。1勒克斯相当于1流明/平方米，即距离为一米、发光强度为1烛光/被摄体平方米的光源垂直照射的光通量。照度是衡量拍摄环境的重要指标。
夏季阳光最强时，室外照度可达100000勒克斯以上，容易形成明显阴影，不一定是理想的拍摄环境。而大多数室内照度低于300lux。照度不仅与光源的发光强度有关，还与光源到被摄物体的距离有关。一般来说，当被摄体与光源的距离不变时，被摄体的照度与光源的发光强度成正比。相反，当光源的发光强度不变，但与被摄体的距离变化时，被摄体上的照度大致与距离的平方成反比。使用闪光灯时的光圈变化就是基于这个原理。还有一个规律：当一个光源照射前后被摄体时，光源越近，两个被摄体的照度差越大；光源越远，这两个被摄体接收到的照度越近。这个变化在最后一个“构图”中已经应用在不同的对比中，会造成非常强烈的视觉
在这里，希望大家不要和上一期提到的概念混淆。上一期讲了光的方向，照度指的是强度。两者颇有关联，但又有区别。强光更容易得到方向性，但是如果房间里全是这个方向的5w lux强光，那pp镜头就没有方向用光了。比如在微距环形闪光灯下，所有的阴影都被“消灭”了。这个时候方向在哪里？反倒是靠窗的人像，别看室内光照比较弱，但指向性极强，常用来刻画稳重内敛的成年人。
现在就光的方向做一个具体的分类。
所有的光都有指向性这个概念很好理解。根据光源与被摄物体和相机在水平方向上的相对位置，光线可分为三种基本类型：前向光、后向光和侧向光。根据三者的垂直相对位置，可分为顶灯、顶灯、平灯、顶灯四种.
数码摄影方法介绍9:光线的方向
现在就光的方向做一个具体的分类。所有的光都有指向性这个概念很好理解。根据光源与被摄物体和相机在水平方向上的相对位置，光线可分为三种基本类型：前向光、后向光和侧向光。根据它们在垂直方向上的相对位置，可分为顶光、顶光、平光、顶光四种。
1.照明设备
相机与光源同向，面向被摄体，这样其朝向镜头的一面很容易获得足够的光线，可以使被摄物体更清晰。根据光线角度的不同，照明可分为正面照明和侧面照明。
正光是沿着镜头的方向直射在被摄物体上的光。如果光源和相机在同一高度，所有面对相机镜头的部分都能接收到光线，这样就没有阴影了。用这样的光线拍摄出来的图像，对比度会比较低，缺乏像平面图一样的立体感。在这样的光线下拍摄，效果往往并不理想，会让拍摄对象失去原有的明暗层次。这里就不给你图了。机载闪光灯照射的照片大多是这种光线。
侧光是指光线从相机的左侧或右侧射向拍摄对象。拍摄时，侧光是单一光源拍摄的理想光线。大多数情况下照明一般采用25 ~ 45侧光，即相机与被摄体的连线与光源与被摄体的连线所形成的夹角为25 ~ 45。此时，面对相机的对象部分被照亮，部分被投影。这样可以更好的表现人物的面部表情和皮肤纹理。既保证了拍摄对象的亮度，又使明暗对比适当，有立体感。台湾省照相馆里的“漂亮”照片，大部分都是这种光。
2.间接说明
侧光源是从照相机和被摄体形成的直线一侧照射被摄体的光。此时主体前半部分受光照射，影子细长，投影明显，立体感强，对雄伟高大的建筑很有表现力。但由于明暗对比强烈，不适合表现主体的细腻质感。但在很多情况下，这种测光可以很好的展现粗糙表面的纹理。
3.顶灯、顶灯和顶灯
顶光通常用于勾勒人或物的上部，并将其与背景隔离开来。而上方的光线照在主体顶部，会使场景扁平化，缺乏层次感，色彩效果差。这种灯很少用。尤其是在那些“到此一游”的照片中，正午的光线往往会让人物的鼻子和眼睛下方的眼袋出现极重的阴影，非常难看，所以需要出现在表面。当然，特殊情况下，也有善用顶光的成功例子。
向下的光是三种光中使用最多的。一般的照明，在处理主光时，一般会将光源布置在比主体略高的位置，与地面成30 ~ 45角。这样的光线既能让主体正面得到足够的光线，又有立体感，形成的阴影也不会太明显。但这种光很少单独使用，大部分是和工作室的其他辅助灯光混合使用，比如侧光，会产生很好的效果。还是不给图，大家都把自己的婚纱拿出来，很多都用的很广，我就不贴我的图了，免得麻烦。
阳光，也叫底光、脚光，也是一种不可多得的照明方式。把光源放在主体下面，向上照射，会产生一种诡异的效果。一般在电影中广泛使用。为了刻画阴险可恶的人物，经常使用非常硬的底光。我就不给你图了。想看效果的朋友可以晚上在镜子前用手电筒抬头看看自己的下巴看效果。不要用这种方法吓唬mm！不道德。
摄影中的逆光在我看来是最有表现力的光线，但也是最复杂最难用的。
